RESEÑA DE DANZA: Unidad de música, danza, violencia y esperanza en Oona Doherty OD Works en Jacob's Pillow

Antes de la actuación, tuvo lugar un “happening” fuera del Teatro Ted Shawn en Jacob's Pillow. Una multitud, advertida, se había reunido con anticipación.

En 1986, viajamos a Belfast, Irlanda, con The New Black Eagle Jazz Band para tocar en el festival artístico de la Universidad de Queens. La banda se instaló en un bonito hotel, rodeada por una valla alta de tela metálica y coronada por alambre de púas. Entramos por la puerta principal, supervisados por un guardia armado en una cabina.

Aprovechamos, como todo parecía tranquilo, para caminar varias cuadras hasta la zona comercial del centro. Nos sorprendieron los cristales rotos en las fachadas de las tiendas y los que ensuciaban la acera.

Cuando llegó el momento de salir del hotel para nuestra actuación, nos llevaron en una furgoneta con un guardia armado sentado al lado del conductor.

Actuamos en una carpa, adyacente a otra en la que la Royal Shakespeare Company estaba representando “El mercader de Venecia”. El concierto tuvo una gran asistencia y acogida.

Al día siguiente, condujimos hasta Bushmills, donde, descendiendo en cascada por la ladera hasta el océano, hay una impresionante formación geológica de grandes columnas hexagonales de basalto llamada "La Calzada del Gigante", declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Luego nos dirigimos a un motel en las afueras de Derry, donde la banda fue contratada para actuar en un club de jazz en el centro de la ciudad. Debido al peligro de ataques y atentados, una vez más la banda fue escoltada en una furgoneta con un guardia armado al lado del conductor. Las esposas no pudieron asistir. En un edificio bajo de ladrillo en lo que parecía ser una zona industrial, unos 50 hombres estaban esperando y nos dieron una generosa recepción.

Al regresar al motel, nos enteramos de que las vías del tren que iban a Irlanda habían sido bombardeadas. En consecuencia, como la banda tenía el compromiso de actuar la noche siguiente en Dublín, los hombres decidieron conducir con una escolta armada, con la esperanza de evitar lugares conflictivos. Las esposas partieron en tren hacia la frontera, desembarcaron y abordaron un autobús que las llevó alrededor de la zona bombardeada y se subieron a otro tren al otro lado para continuar su viaje a Dublín.

Esto nos preparó para comprender mejor la actuación de esta noche. Antes de la actuación, tuvo lugar un “happening” fuera del Teatro Ted Shawn en Jacob's Pillow. Una multitud, advertida, se había reunido con anticipación. Un gran sedán avanzaba por el camino, emitiendo música rítmica a todo volumen. El corpulento conductor detuvo el coche, abrió el maletero y la bailarina Sati Veyrunes salió rodando. Al caer al suelo, al principio quedó inmóvil y parecía aturdida. Pero rápidamente se puso de pie y rodeó salvajemente a los espectadores, articulando expresiones fuertes pero indistinguibles. Mientras se abría paso entre la multitud, el conductor saltó al auto y se alejó. Ella corrió detrás, gritando “No me dejes”, esto, completamente comprensible.

Entramos al teatro a un escenario con las cortinas abiertas, un fondo negro y un montón de basura invadiendo el carro de un trabajador en la esquina trasera. Con los focos brillando hacia la audiencia, Sati Veryrunes, con los mismos pantalones negros polvorientos y desaliñados, continuó sin problemas desde afuera contorsionándose, retorciéndose y dando vueltas al ritmo de “Touch Me” de Rui Da Silva. Originalmente bailada por la propia Oona Doherty, la presentación de Veryrunes estuvo tan repleta de florituras profundas e idiosincrásicas que era imposible imaginar a otra bailarina en su lugar. A lo largo del baile, Oona Doherty pronunció una voz en off narrativa de comentarios, aforismos, exclamaciones y exhortaciones, algunas apenas inteligibles y demasiadas para seguirlas por completo. En conjunto, crearon la sensación de una persona en un entorno abrumador, en constante movimiento, buscando encontrar su camino.

En su biografía, Doherty señaló que la expulsaron de la escuela católica, donde bailaba “debido a las drogas. Trabajé como camarera y por primera vez extrañé bailar”. Eso la trajo de regreso a la escuela, pero en la medida en que esta danza es autobiográfica, se podía sentir la opresión y la lucha.

“Obras” pretende ser tanto un adjetivo como un sustantivo.

Y la música y la danza están totalmente integradas en la obra de Doherty. Cada bailarín debe prestar atención específicamente a la partitura musical, incluso cuando expresan sus propias interpretaciones de la danza.

La coreografía de Doherty trata sobre la demanda de unidad y unísono, su ruptura y reforma. En su visión, el unísono es un compromiso último y continuo, en el que cada miembro debe luchar para mantener su “trabajo” individual al servicio de la comunidad, como sea que se defina.

Su coreografía está superpuesta con recuerdos individuales urgentes y oportunas protestas que citan instrucciones religiosas e insisten en un comportamiento apropiado de los descendientes religiosos.

A menudo son indescifrables, pero muchas veces no lo son. Pero las protestas casi siempre son discordantes e intrusivas, y transmiten el conocimiento de que uno nunca escapa a los traumas de la niñez y sus desencadenantes a lo largo de la vida.

¿Quiénes somos, preguntan, sino los productos de una búsqueda continua de claridad, como individuos, solos en nuestra búsqueda de conexión y significado tanto en relación con las imposiciones de la sociedad y sus instituciones, como en relación con individuos y comunidades importantes para nosotros? ¿a nosotros?

Algunas de las divergencias más conmovedoras con respecto al conjunto unificado ocurrieron cuando otros en esta compañía internacional de diversas razas y géneros ofrecieron abrazos (de hecho, amor) a individuos. Había tríos y cuartetos en busca de (y finalmente encontrando) socorro y consuelo frente a la crueldad, a menudo infligida de manera desconcertante al azar, a lo largo de las poderosas ofrendas de la velada.

Ejemplos sorprendentes de la integración de la música y la danza impregnaron esta actuación.

Después del “happening” inicial afuera del Ted Shawn Theatre, donde Sati Veryrunes salió del maletero de un auto con música a todo volumen, la música continuó en el teatro, donde el programa comenzó sin la presentación habitual de la directora ejecutiva y artística Pamela Tatge ( que tuvo lugar después del intermedio).

“Hope Hunt and the Ascension into Lazarus”, coreografiada originalmente en 2016, interpretó en solitario a Sati Veryrunes, en muchas formas, cada una con sus propios y poderosos fundamentos musicales.

Con la música de arriba, Sati Veryrunes intervino protestas verbales habladas y gritadas mientras bailaba. No todo tenía sentido. Aquí están algunos ejemplos:

Y con otro cambio más de atmósfera musical, la conducta y el movimiento de Veryrunes también cambiaron dramáticamente, para volverse onírico, flotando, en otro mundo.

Al ritmo enfático de esta música, Sati Veryrunes gritó “¡Esperanza! ¡Esperanza! ¡Esperanza! ¡Esperanza!"

De repente, las luces del escenario se volvieron negras. Cuando las luces volvieron a encenderse, revelaron a Veryrunes, ahora vestido de blanco luminoso en posición fetal en el escenario. Lentamente, ella se levantó, encarnando a Lázaro cuando Cristo lo resucitó de la muerte. Como se expresa elocuentemente en las notas del programa, “Lázaro se levanta como el ave concreta del Paraíso. Un intento de reconstruir el estereotipo del hombre desfavorecido y elevarlo a un limbo blanco brillante de Caravaggio, busca convertir a los smicks, los spides, los hoads, los gitanos y los matadores en aves del paraíso. Es una búsqueda de esperanza…”

A medida que continúa la danza, Veryrunes parece transformarse en un ángel, especialmente cuando, con las palmas hacia adelante y los brazos extendidos, cae hacia atrás, como si se ofreciera a sí misma. Se percibe una aguda sensación de conciencia de los pecados del hombre y una preocupación compasiva por iluminar sus sentidos de sí mismos, tal vez para abandonar la postura del “hombre duro”.

Aunque el movimiento de esta danza apunta hacia la resurrección, Doherty cree que su conexión con su hogar la fundamenta. Como señala el programa citado en una entrevista, “Me tomo muy en serio conmigo mismo y, a veces, soy un dolor de cabeza. Por eso me gusta Belfast: te mantiene normal. Los artistas son increíbles, pero no te dejan ser idiota”.

Además de mantenerla “normal”, Belfast y sus habitantes también le sirven de inspiración. En otra entrevista citada sobre “Hope Hunt y la Ascensión a Lázaro”, Doherty habló sobre cómo se inspiró al observar a las personas que la rodeaban. “He estado observando a los muchachos en las calles de Belfast, comiendo comida para llevar y jugando. He estado observando cómo se mueven”. Ella continúa diciendo que los encarna y se inserta. Ella los imita y luego se derrite, y luego pasa a convertirse en "un hombre duro" una vez más.

Sin embargo, incluso con la resurrección, la dureza del mundo se reafirma. Superponiendo la exquisita música litúrgica de arriba, Sati Veryrunes pronuncia estridentes protestas contra las órdenes de las autoridades religiosas, como si estuviera de regreso en el aula como una niña traumatizada. Ella sacude la cabeza dramáticamente, transformando su expresión facial en una de rabia, retorciéndose, cayendo hacia atrás, tropezando, levantando las manos suplicantemente y luego caminando hacia adelante, apuntando hacia arriba. Las sirenas de la policía suenan desde el sistema de megafonía.

Luego, de repente, oscuridad y el intermedio.

Después del intermedio, la interpretación espléndidamente matizada del movimiento Adagio Sostenuto del Concierto para piano n.° 2 de Rachmaninoff proporciona el escenario para un grupo de 12 bailarines con uniformes índigo idénticos, cada uno de los cuales debe lidiar con las realidades de la opresión y la conformidad forzada con las expectativas sociales. Estos “hombres duros” también parecen anhelar fuentes de consuelo, quizás expresadas por las cálidas melodías de Rachmaninoff.

Este conflicto impregna la primera parte de la obra maestra de Oona Doherty, “Navy Blue”.

Los bailarines, de diversas edades y géneros, desfilan en formaciones militares, alineándose, marchando en patrones de desfile, pero con frecuencia se miran unos a otros con tristeza y agresividad. Las procesiones se fragmentan cuando los individuos no pueden o no quieren mantener el ritmo, caen, luchan y pelean.

Aún así, suena una música más relajante, aparentemente en contradicción, lo que significa esperanza en contraposición al ritmo implacable resultante de la parodia o refundición de Rachmaninoff de Ricky xx.

En un escenario central devastador, podría decirse que la opresión adopta su peor forma.

El grupo de 12 personas se entrelazan en el centro del escenario cuando suena un disparo y uno cae muerto. Luego otro, luego otro, hasta que queda una bailarina, una mujer. De pie congelada, su rostro tiembla cada vez más violentamente y exclama: "No, no, no", antes de que ella también sea asesinada. Ahora todos yacen muertos sobre el escenario.

A pesar del horror y del amplio silencio marcado por los disparos, ahora suena una hermosa sonata de Mozart.

¿Es este un símbolo de esperanza o de una vida mejor imaginada después de la muerte? Uno se siente confundido porque las emociones (y las preguntas) están profundamente en conflicto.

La segunda parte de “Navy Blue” ofrece una perspectiva más optimista sobre los hombres y sus perspectivas de desarrollo personal productivo.

Nuevamente, para citar las informativas y perspicaces Pillow Notes de Maura Keefe, “el bailarín de ballet convertido en escritor Matthew Polluch aprecia la sensibilidad musical de Doherty en Navy Blue y observa: 'Doherty entiende la música, rítmica y melódicamente. Hay muchos momentos de visualización musical: comunicaciones literales de ritmo, sugerencias emocionales de melodía y también quietud.' La propia Doherty estaría de acuerdo y señalaría: "Me odiarás por decir esto, pero la música es la forma de arte más elevada". Más alto que bailar. Y no deberíamos decir eso porque estamos luchando por una pequeña porción del viejo pastel del Arts Council, y sé que algunos coreógrafos trabajan en silencio, esos cabrones locos, pero como coreógrafo podrías hacer toda tu carrera como una reverencia a di gracias a la música'”.

“Dicho esto”, continúa Maura Keefe, “ningún coreógrafo con la visión de Doherty hace bailes que sólo se inclinan ante la música. Proponen y consultan. Celebran y devastan. Ella nos invita a entrar y se burla de nosotros, mientras los bailarines hacen gestos furiosos y caen, flotan, se recuperan y giran nuevamente”.

La sublime lucha por el significado personal se resuelve de alguna manera hacia el final de “Navy Blue”, cuando las protestas individuales sobre elevaciones, abrazos y hazañas de fuerza física y atletismo maravillosamente elocuentes transmiten una sensación de esperanza para todos los hombres en el profundo, áspero, índigo. oscuridad. Las estrellas de arriba son notadas, admiradas y bendecidas.

Y el público agradeció la belleza y la perspicacia de la actuación con una merecida ovación.

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